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A small collage of our artistic apéro Thursday 9th July 2020 on the occasion of the exhibition of the works of Jonas Baumann. Exhibition lasts until 3 October 2020
Dear friends. I would like to draw your attention briefly to an exciting project. LICHT FELD Gallery launched the art project #thecoronacase "The art of the crisis". With the support of cR Werbeagentur AG, Basel and a international jury. LICHT FELD Gallery starts to create a time document about the "virus" from as many artists as possible and motivate them to upload their views on it in the form of a poster on our homepage. We think you too know artists who might be interested! Then go ahead and please share. Detailed information about this and who is on the board can be found here: www.lichtfeld.ch Thank you very much for telling a friend and or maybe you got your own statement?!
"Sleeping mood" by Sandra Kunz.
A few days ago we received this beautiful postcard. Unfortunately it brought sad news. We are speechless and in awe of your decision. We think of you and miss you! (Today is Sandras Birthday). With great respect we will remember you and send all family members, especially "Ale", a lot of strength!
lichtfeld.ch/wordpress/artists/sandra_kunz/
lichtfeld.ch/wordpress/vr_freland/
JONAS BAUMANN
new surrealism
analog
digital
balance
Ausstellung vom
04.06. – 03.10.2020
LICHT FELD Gallery, Basel
Von Andres Pardey, Kunsthistoriker, Basel
Einsamkeit.
Ruhe.
Wie stark der Eindruck von Jonas Baumanns Malerei – jeder Kunst - davon abhängig ist, in welcher Situation sich die betrachtende Person befindet, ist an wenigen Begriffen festzumachen.
Verlorenheit.
Konzentration.
Die Betrachtung der Kunst unterliegt dem, was in der Welt um sie geschieht. Was noch vor Kurzem aufregte, wird nun gelassen hingenommen. Und umgekehrt.
Verlassenheit.
Präzision.
Dabei sind Leitmotive als solche immer gültig, bloss ihre Interpretation wechselt – oder ihre Interpretativität, die Möglichkeit, einem Begriff oder einem Ding andere Bedeutungsebenen zu verleihen.
Sprache.
Malerei.
Aber vielleicht ist das Ganze auch ganz anders. Malerei ist natürlich – wie jede Kunst – den Veränderungen der Zeit unterworfen, ist Projektionsfläche für Gedanken, die sich zeitlich verändernd am Bleibenden messen und reiben.
Nicht die Malerei verändert sich, sondern unser Blick auf sie, und vor allem die Begriffe, mit denen wir sie bezeichnen.
Es bleibt also die Beschreibung, die ein Werk (er-)fassen und die den Blick lenken und konzentrieren kann. Es bleibt das Sehen. In einem Raum hängt, hinter einem massiven, roh gesägten Balken, in dem auf der linken Seite eine Axt steckt, vor einer weiss gemalten Wand ein Bild. Stark hochformatig, ist es eine Leinwand, die auf einen von vorn nicht sichtbaren Rahmen (ein Keilrahmen wohl, denn die Leinwand ist straff) aufgespannt ist. Das ganze Bild liegt in einem leicht bläulichen Dunst – ob es das Licht im Raum ist? Auch die Wand ist nicht neutral weiss, sondern ist leicht grau-blau getönt…
Auf einer Fläche, die Boden und Rückwand oder Hintergrund zugleich ist (es ist hinten kein Abschluss zu sehen, vielmehr verliert sich die Ebene im Nichts, das aber ebenso gefärbt und strukturiert ist wie der Boden) steht ein steil aufragender Kegel, dessen Spitze gekappt ist. Im Zentrum der so entstandenen runden Fläche steht eine ebenso runde Platte, die einen feinen Stab hält, der als Sockel dient für eine Assemblage von Formen und Gegenständen. Auf dem Stab türmen sich drei Elemente auf, deren Form vielleicht an Stoffballen erinnert, oder an flach gedrückte Ringe, an Schlaufen. Das unterste dieser Elemente ist in einem nicht sehr leuchtenden Orange gehalten, das mittlere eher in einem bräunlich-grauen Farbton, während das obere Blau ist, intensiver als das Blau, das als Grundton das ganze Bild umspielt. Zwischen dem unteren und dem mittleren Element ist ein graues vielleicht kugelförmiges Teil geklemmt, zwischen dem mittleren und dem oberen Element ist rechts etwas weisses zu sehen, in einer ganz anderen Materialität, Papier? Und auf dem oberen Element ist als Abschluss der Assemblage gegen oben, mit zwei grossen Nägeln ein Stück eines Astes mit Rinde und Astloch nach links befestigt. Kegel und mittleres Element sind verbunden mit einer Schnur, die über einen waagrecht in den Kegel gesteckten feinen Stab läuft. Der Kegel wirft einen feinen Schatten nach rechts, das Licht kommt entsprechend von links, es fällt relativ flach auf die ganze Konstruktion.
Der Titel des Bildes lautet «Sculpture No. 32». Er macht deutlich, was wir beschrieben haben – die Konstruktion ist eine Künstlerische, nicht eine Maschine, nicht ein Materialhaufen zur Verwendung, sondern eine Assemblage zum Zwecke der Kunst. Was sie eben zweckfrei macht. Insbesondere, als die Assemblage ja eben auch nicht vor uns steht, sondern ihr Bild – das Gemälde, das Jonas Baumann von ihr geschaffen hat. Oder vielleicht besser: Das Gemälde, mit dem Jonas Baumann die Assemblage geschaffen hat. Denn – die Wahrscheinlichkeit, dass er diese Assemblage in der Natur (oder der Stadt) angetroffen hat, und sie dann gemalt hat, ist klein. Eher wird sie eine Konstruktion sein, die in seinem Atelier ohne eigentliches Vorbild entstanden und so ex nihilo geschaffen wurde. Vielleicht entstammt sie einer der Serien von virtuellen Skulpturen, die der Künstler kreiert hat. Eher aber ist sie Ergebnis einer freien Konstruktion, die der Bildfindung Symmetrie, Ausgeglichenheit, Ebenmässigkeit zugrunde legt und mit diesen Parametern interessante Bilder schafft, die zur Betrachtung anregen und in denen man sich – quasi räumlich assoziierend – durchaus auch verlieren kann. Dass den Konstruktionen von Baumann auch eine feine Ironie innewohnt, macht es aus, dass jedes Erstarren in der Bewunderung des Sublimen – das angesichts der Monumentalität des Gezeigten durchaus möglich wäre – von vornherein ausscheidet. Was soll diese Zeitung da rechts oben?
Man stellt sich gern vor, dass Jonas Baumann irgendwann den Bildern des italienischen Malers der pittura metafisica, Giorgio De Chirico, begegnet ist. Und dass ihn der Strang, der diesen mit den Surrealisten seiner Zeit verband, wohl speziell interessiert hat. Die freie Assoziation, die écriture und das dessin automatique, der unbeschwerte Umgang mit Realität und Fiktion. Und dass Baumann die Plätze De Chiricos, die ja oft nicht ganz so leer sind, wie sie prima vista scheinen, als Anregung für die Grundstimmung seiner Bilder brauchte.
Präzision.
Verlassenheit.
Dass er das Schaffen virtueller Skulpturen – auf der Leinwand wie auf dem Bildschirm, als Übung versteht, die ihn der Sache als solcher näher bringt.
Konzentration.
Verlorenheit.
Dass die Beschränkung auf ein paar Dinge und auf deren konziser Darstellung, dem Bild und der Betrachter*in dienlicher ist als die Verstärkung des visuellen Overkills unserer Zeit.
Ruhe.
Einsamkeit.
Aber das ist nochmal eine andere Geschichte.
Malerei.
Sprache.
Table No. 4
2017
oil on canvas
100 × 120 cm
Versehrt (wounded)
2018
oil on wood
120 × 90 cm
So cool to be open again!!! Just a little Apéro under BAG Rules today. It was great! The date for the Vernissage of the JONAS BAUMANN Exhibition will be announced soon...
